La tradición pictórica encuentra en la mujer la fuente de inspiración por excelencia.  Ella es musa y metáfora en el pensamiento del artista que forja con sus manos fantasías y realidades ya sea éste; empírico, autodidacta o académico.  En la edad de oro del abstraccionismo se llegó a pensar que el formalismo y la figuración habían caducado.  El lenguaje estilístico parecía sucumbir ante un sinnúmero de expresiones vanguardistas e informales que con pasos agigantados venían imponiendo su presencia como ejes centrales del arte contemporáneo.

La última década ha sido el renacimiento post moderno de la corriente neo-figurativa, la cual se hace evidente en las grandes galerías y subastas del mundo.  Es en este renacer donde Werner Olmos encaja muy bien como individuo y como artista.  Poseedor de un trazo limpio, de un dibujo preciso que deja al descubierto su rigurosa formación académica.  En su inconsciente se esconde el consejo que Ingres, maestro de la pintura universal, inculcó en el pensamiento de sus jóvenes estudiantes:  “Se pinta como se dibuja”.  Olmos es un artista de grandes repertorios y recurre al desnudo como imagen expresiva de belleza perturbadora; cada volumen se convierte en poesía, cada reflejo de luz en un arco iris de suaves luces y pasivas sombras que producen una atmósfera visual de factura exquisita.  La geometría de su dibujo, la armonía de la composición y el dominio del espacio son remembranzas del arte clásico los cuales magistralmente logra ajustar a las demandas que impone la pintura contemporánea.

Entre galeristas, marchantes y críticos de arte son muy conocidas sus famosas Ciguapas;  signo y símbolo de nuestra identidad.  En sus Ciguapas Werner Olmos apela al mito, a las tradiciones de nuestros antepasados, a la leyenda popular donde se escribe la historia de los pueblos; a veces las recrea otras tantas las reinventa dejando espacio a la imaginación ficticia y por qué no a la utopía.  ¿Pero qué mueve a Werner Olmos revivir las leyendas que yacen en el olvido de nuestra sociedad? ¿Acaso será su propuesta un cliché populista? Creo que no.  Más que una inventiva de la imaginería sus obras reflejan una preocupación antropológica de sensibles reflexiones.

El espíritu que rige el mundo creativo de este joven y prodigioso artista se reinventa constantemente, quizás por su vasta experiencia como ilustrador o quizás por el toque divino que le ha otorgado un talento nato.

A eso se debe la necesidad que tiene de pintar de todo y pintarlo todo;  no evade obstáculos y quienes le han visto pintar conocen de su disciplina en el taller, es el tipo de individuo que se exige más de sí mismo de lo que otros esperan de él.  El tratamiento de la figura revela inequívocamente su compromiso con la excelencia. La pintura en sus manos es un canto a la belleza, la magia y el encanto embriagan al ojo y al corazón.  Su sentido de lo hermoso se niega a desvirtuar la realidad de las cosas que percibe y se aferra a su convicción como a la vida misma.

Este joven artista a base de talento y tesón se encamina con pasos firmes y decididos a dejar sus huellas en la historia y en el quehacer artístico de nuestro país.

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"La Gioconda" de Leonardo da Vinci.

Un repaso a todas las leyendas y misterios sobre el famoso pintor renacentista

No hay artista más legendario que Leonardo da Vinci. En toda la historia del Arte, ningún otro nombre ha generado más debates, más discusiones y más horas de estudio que el genio nacido en Vinci en 1452. Pintor, escultor, arquitecto, científico e investigador, la figura de Leonardo ha generado multitud de leyendas, mitos, rumores sobre su homosexualidad, sobre su pertenencia o no a infinidad de logias o sectas, las extrañas historias sobre su estancia en el estudio de Verrocchio, o su al parecer extraña relación con varias de sus modelos -derivado al parecer de su ya comentada presunta homosexualidad- forman la larga lista de mitología leonardesca de la que el éxito de ” El código da Vinci” es sólo su más reciente ejemplo.

Dejando al margen la mitología barata de los best-sellers , el Leonardo pintor ofrece una fuente continua de debate por una razón muy sencilla:  se cree que aproximadamente dos tercios de la obra pictórica del maestro se ha perdido. Esto ha generado que, a lo largo de los últimos 150 años infinidad de críticos, divulgadores, o simplemente cantamañanas ávidos de atención hayan sacado a la luz multitud de pinturas publicitadas como un nuevo Leonardo , apoyados por textos y bocetos que testifican la existencia del original. El supuesto hallazgo de un nuevo original de Leonardo es siempre acompañado de un enorme eco en la prensa y círculos artísticos, y pone el nombre del presunto descubridor en el escaparate del no siempre cauto mundo del Arte.

Sobra decirlo: la inmensa mayoría de estos descubrimientos son simplemente basura carente de cualquier rigor histórico o investigación seria. No obstante, existen algunos debates e investigaciones merecedores de ser comentados, e intentaré mencionarlos aquí.

LA MADONNA DEI FUSI - ¿ORIGINAL O COPIA?

Uno de los debates más interesantes, y que se ha abordado con más seriedad, de los últimos años sobre la autenticidad o no de una obra considerada del taller de Leonardo es el que estudia las dos supuestas versiones más fidedignas del original -presuntamente perdido- óleo de Leonardo representando a la Madonna dei fusi , es decir, la Virgen de los husos (o Virgen del Aspa) Uno de ellos en la colección del Drumlanrig Castle (Escocia) famosa por haber sido robada recientemente, y otra, de altísima calidad, de la colección Reford de Montreal, y recientemente adquirida por un coleccionista americano (existen rumores de que el precio superó los 150 millones de dólares, lo cual resulta realmente difícil de creer.) Dejemos al margen la versión Ruprecht de Munich, al tratarse de una tela de muy distinta composición a estas dos.

¿Qué sabemos de este original? Básicamente tenemos el testimonio de una carta enviada a Isabel d’Este por Pietro de Novellara en 1501, en la que habla de “.una Virgen sentada como para aspar husos y el niño, con el pie un el cestillo de los husos, ha cogido el aspa y mira los cuatro radios que forman la cruz, como deseoso de ellos ríe y no parece quere devolvérsela a la madre, que parece querer usarla.” ( 1) Este detallado testimonio ha sido utilizado como prueba indiscutible de la no autenticidad de las dos pinturas de las que nos ocupamos, suponiendo que los imitadores abandonaron el simbolismo del aspa y los usos, resaltando la cruz y el sacrificio.

De acuerdo, pero. ¿debemos fiarnos tan ciegamente del testimonio del tal Pietro? ¿Es una fuente ciertamente fidedigna? Sabemos que incluso Vasari, el gran Vasari, comentaba ampliamente obras que no había visto, dando lugar a confusiones históricas que el mundo del Arte ha tardado siglos en resolver. Entonces ¿por qué hemos de suponer a priori la veracidad de ese documento? ¿Por qué el documento escrito ha de prevalecer sobre el documento pictórico? ¿Podríamos invertir este razonamiento y declarar no fiable el testimonio de Novellara a raíz de lo evidenciado en no una, sino hasta tres versiones pictóricas?

No se trata, en principio, de declarar como poco veraz un testimonio, simplemente de ponerlo en duda, lo que nos puede dar pie a un nuevo análisis, más libre, menos condicionado. Además, es incluso posible que este testimonio se refiera a una primera versión de Leonardo sobre este tema, y que el propio maestro pintara, posteriormente (nótese que Suida, ignorando en texto de Novellara, propone 1506 como fecha de ejecución ( 2) ), una nueva versión en la que prescinda de los motivos del aspa y los husos.

Si prescindimos de esta premisa escrita. ¿qué tenemos? Dos versiones, casi idénticas en composición, pero con importantes diferencias en el paisaje de fondo, y con una evidente diferencia de calidad a favor de la tela ahora en Nueva York. Vamos a detenernos, pues, en esta pintura.

No es arriesgado decir que, de todas las supuestas obras de taller de Leonardo, esta es la de más alta calidad. Es una pequeña tela, originalmente una tabla, de pequeñas dimensiones (50.2- 36.4 cm .) El dibujo, especialmente el rostro de la Madonna , es bellísimo, el fondo es rico y equilibrado, y el color armonioso, con un evidente dominio del sfumetto , aunque es posible que haya sido parcialmente repintada en varias ocasiones. El rostro y la mano de la Madonna nos recuerdan inmediatamente a los de la “Santa Ana, la Virgen y el niño” de la Nacional Gallery , e incluso a los de la segunda versión de La virgen de las rocas , en el mismo museo. Pero es el fondo, tan similar al de la Gioconda (obra inmediatamente posterior a esta) lo más llamativo de la pintura. A este efecto, destacamos un muy interesante estudio llevado a cabo por Marco Versiero a raíz de la exposición de ” Madonna dei fusi ” en Arezzo, de julio a noviembre del año 2000 (3)

¿Podemos demostrar con todo esto la autenticidad sin matices de la versión neoyorkina? En absoluto, pero abre una nueva vía para el debate y la investigación de un periodo en la obra de Leonardo -la primera década del XVI- de la que tan sólo tenemos, como testimonio fiable, la famosísima Gioconda, de la que, por cierto, vamos a comentar algunas curiosidades.

LAS MIL Y UN GIOCONDAS

Si hay algo más impactante que publicar la autentificación de un nuevo Leonardo es publicar la autentificación de una nueva versión de El Leonardo, esto es, la Gioconda o Monna Lisa. A lo largo de las décadas, decenas de visionarios que se hacen llamar críticos han sugerido, en muchos casos con bombo y platillo, la existencia de otra Gioconda, ya sea suponiendo una segunda versión o negando la celebérrima del Louvre. Lo cual no deja de resultar ridículo, porque la dama parisina añade a su incontestable e inconfundible calidad una amplia documentación histórica, desde que fue adquirida por Napoleón I e incluso antes, que no dejan lugar a dudas sobre su autenticidad.

Válganos como ejemplo la llamada Monna Lisa de Isleworth (Inglaterra) que fue publicada como auténtica por H. Pulitzer en 1966 en el estudio Where is the Monna Lisa? notando su alta calidad y la presencia de dos columnas en los extremos del lienzo (apenas perfiladas en la tela del Louvre) que supuestamente la catalogarían como auténtica. La obra, de la que no se tiene certeza de su origen hasta su llegada a la colección privada inglesa, no fue lógicamente aceptada por la crítica. Y es que la Gioconda ha sido copiada infinidad de veces, por lo que la existencia de versiones de calidad ciertamente alta (por ejemplo la de la colección Luchner, o la del Museo de Tours) no debe significar su atribución inmediata a Leonardo.

No es el único caso. Incluso un historiador tan respetado como Antonio Manuel Campoy, en su monográfico sobre el Museo del Prado de 1970, no puede evitar sugerir la autenticidad de la versión (tal vez italiana y de finales del XVI) de la Gioconda con un discurso tan ilusionado como carente de lógica: ” Los que hoy mantienen la primacía de la Gioconda del Louvre sobre la del Prado, ¿en qué se basan? Si es en noticias históricas, estas sobran para todos los argumentos que se quieran (??) Si es en la técnica, la verdad es que la Gioconda del Louvre permite en muy limitadísima medida rastrear la mano de Leonardo (????) .” ( 4) El argumento, constituído por dos flagrantes mentiras, sólo puede diculparse si entendemos el amor que Campoy sentía por el Prado, y su evidente deseo de “enriquecer” sus colecciones con una obra del maestro italiano

Y así podríamos seguir hasta el infinito, mencionando mil y un giocondas que mil y un visionarios han intentado colarnos, y llegaríamos a sugerir a modo de broma -o quizás no- que llegará el día que alguien evidencie la mano leonardesca en las Giocondas bigotudas de Dalí y Duchamp. Pero éste, al menos, es un caso cerrado. Sólo hay una Gioconda, y está en Paris, protegida por un grueso vidrio que, por cierto, casi impide su contemplación.

EL CATÁLOGO DISCUTIDO

Debido a los constantes debates sobre la autenticidad o no de las obras de Leonardo da Vinci, el catálogo de obras del maestro permanece en constante fluctuación, añadiéndose nuevas obras que son rechazadas al cabo de unos años, y eliminándose otras que son después readmitidas por ciertos sectores de la crítica. Vamos a comentar aquí las obras universalmente admitidas como auténticas.

OBRAS INDISCUTIBLES DEL MAESTRO

“Retrato de dama (Ginevra Benci)” (1474-76) Washington, Nacional Gallery

Pese a que a finales del XIX y principios del pasado siglo se escucharon algunas voces discordantes ( 5 ), en la actualidad nadie duda la paternidad leonardesca de esta pequeña joya, a la que Vasari llama acertadamente “cosa bellísima”. Primera obra maestra de Leonardo

“San Jerónimo” (c.1480) Roma, Pinacoteca Vaticana.

Nunca se ha dudado de esta obra inacabada

“La adoración de los magos” (1481-82) Florencia, Uffizi

Igual que en la anterior, nunca se ha puesto en duda.

” La Virgen de las rocas” (1483-86) Paris, Louvre.

Indiscutible obra de Leonardo, con abundante documentación.

” La Virgen de las rocas” (1503-1506) Londres, National Gallery

La atribución a Leonardo, indiscutida en un principio, fue perdiendo fuerza a finales del siglo pasado, dadas las diferencias estilísticas con la versión del Louvre. No obstante, recientes estudios en profundidad del cuadro han demostrado la paternidad de Leonardo (6). La obra ha sido, probablemente, repintada con poca fortuna, y es incluso posible que las alas del tríptico no sean del maestro, pero la tabla central está fuera de toda duda

“Cabeza de muchacha (mujer despeinada)” (c.1490) Parma, Galería Nacional.

Pocas voces discordantes, entre ellas las de Ricci y Suida (1929) No obstante, la belleza del dibujo y los numerosos documentos históricos la dejan fuera de toda duda.

“La última cena” (1495-97) Milán, Convento de Santa María de las Gracias

Indiscutible, y nunca puesta en duda.

“Santa Ana, la Virgen , el niño y San Juan” (c.1498) Londres, National Gallery.

De nuevo una obra nunca discutida.

“Retrato de Isabel d’Este” (c.1500) Paris, Louvre.

Obra inacabada y en deficiente estado de conservación, libre, no obstante de toda duda, a excepción de las de Goldscheider (1952), para quien sólo la cabeza es obra del maestro

“Retrato de dama ( la Gioconda , la Monna Lisa ) (1503-05) Paris, Louvre

Obviamente, nunca discutida por ninguna voz autorizada

“Santa Ana, la Virgen y el niño con el cordero” (c.1510) Paris, Louvre.

Obra magistral jamás discutida, pese a las numerosas copias conocidas

“San Juan Bautista” (1513-16) Paris, Louvre.

Obra excepcional, de una perfección técnica increíble, que nunca ha sido discutida de manera seria, a pesar de que Müller-Walde y Berenson (quien posteriormente cambiaría de opinión) la consideran, increíblemente, obra de taller.

En total, apenas una docena de obras, a las que podemos añadir, como dos casos especiales:

“El bautismo de Cristo” (c.1472-75) Florencia, Uffizi.

Obra de Verrocchio, maestro de Leonardo, parece no existir ninguna duda entre los críticos acerca de la autoría de este último sobre uno de los ángeles y una pequeña porción del paisaje tras el mismo

“Baco” (c.1511-15) Paris, Louvre

Obra de gran calidad pero que presenta incompresibles diferencias de estilo entre la figura principal (que ha sido además muy retocada) y el fondo de la pintura. La hipótesis más creíble, y aceptada mayoritariamente por los críticos actuales, es que se trata de una obra de colaboración entre Leonardo y su taller. No faltan, sin embargo, voces disidentes que excluyen al maestro de cualquier intervención (Frizzoni, Suida)

OBRAS ACEPTADAS PERO DISCUTIDAS.

” La Anunciación ” (c.1472-75) Florencia, Uffizi

Durante mucho tiempo fue considerada la primera obra pictórica de Leonardo. No obstante, en el transcurso del pasado siglo los críticos se dividieron entre aquellos que mantenían la autoría de Leonardo, los que hablaban de una obra en colaboración, tal vez con Lorenzo di Credi, y los que rechazaban cualquier intervención del maestro, optando por Ridolfo Ghirlandaio o incluso Verrocchio. Personalmente rechazo esta última opción, y considero que la hipótesis Leonardo - di Credi no es en absoluto disparatada.

“Virgen que da una granada al niño (Virgen Dreyfuss)” (1472-76) Washington, Nacional Gallery

Atribución dudosa. Cobra fuerza el nombre de Lorenzo di Credi

“Virgen que da una flor al niño (Virgen Benois)” (1475-78) San Petersburgo, Ermitage

Obra de calidad bastante mediocre, discutida desde siempre, y que sorprendentemente es hoy por hoy indiscutible para la mayoría de los críticos (Clark, Berenson, Castelfranco.) Personalmente, no apostaría por su autenticidad.

” La Anunciación ” (c.1478) Paris, Louvre.

Dudosa, sobre todo cuando se compara con la tabla de los Uffizi, pese a que algunos han querido ver una obra de colaboración.

“Virgen que da un clavel al niño (Virgen del clavel)” (c.1478-80) Munich, Alte Pinakothek.

Obra muy debatida, cuya atribución ha fluctuado desde Verrocchio (imposible) hasta la entera mano de Leonardo, cosa que no parece disparatada, dada la alta calidad de la obra y la existencia de numerosas copias de menor calidad

“Virgen amamantando al niño (Madonna Litta)” (c.1490) San Petersburgo, Ermitage

Obra tremendamente repintada, y de estilo ciertamente extraño, sobre todo si se compara con la obra anterior. Muy discutida. Parece más cerca del taller que del maestro

“Retrato de músico (Franchino Gaffurio)” (c.1490) Milan, Pinacoteca Ambrosiana.

Se ha querido ver en este retrato ciertas similitudes con el Ángel de la “Virgen de las Rocas”, pero últimamente está siendo cada ve más rechazada como obra del maestro. Personalmente, la rechazo como auténtica

“Retrato de mujer (Beatrice d’Este?)” (c.1490) Milan, Pinacoteca Ambrosiana.

Similar en estilo y consideraciones a la obra anterior.  Muy dudosa

“La dama del armiño (o la dama del hurón, de la marta)” (1485-90) Cracovia, Czartoryski Museum.

Es una obra bellísima, misteriosa y profunda, semejante en estilo a ” La Belle Ferronnière “, pero incluso de más calidad. Ha sido profunda y lamentablemente repintada, sobre todo en su flanco izquierdo, lo que ha variado su aspecto original y ha dado lugar a numerosas voces que la consideran de taller destacando la de Rosenberg (1898) que la considera indigna del maestro o de su escuela (?) Las dudas sobre la autoría de ” La Belle Ferronnière ” han arrastrado con ellas a esta pequeña joya, que sigue, por el momento, en la lista de obras auténticas. Personalmente, no tengo dudas sobre su autenticidad

“Retrato de dama ( La Belle Ferronnière )” (c.1490-95) Paris, Louvre.

La atribución de esta tabla ha ido casi siempre unida a la de la obra anterior, reflejando sus similitudes estilísticas. No obstante, las voces discordantes son aquí algo mayores.  Aún así, probable obra del maestro.

Y eso es todo.  En total, apenas 24 pinturas, de las cuales sólo la mitad gozan de atribución indiscutida. Lo cual significa que todavía existe suficiente espacio vacío para nuevas atribuciones.

"La Peste" de Arnold Böcklin

Los miedos actuales, aún a pesar de ser actuales, no son nuevos. Y una de las grandes funciones históricas del arte ha sido la de “ahuyentar fantasmas”: de alguna manera, la representación de la enfermedad, de la fealdad, de lo que horroriza y repugna, nos aleja de ello al convertirnos en espectadores. Si se hace público, se muestra, se saca al exterior, no nos puede afectar porque ya no podemos ocupar el papel de protagonistas, sería la peculiar lógica de este pensamiento. Hoy, una gripe extraña; hace siglos fueron enfermedades como la Peste Negra, la Gripe española o, más recientemente, el Sida las amenazas que artistas del calibre de Rubens, Brueghel, Goya, Munch, Böcklin o Haring plasmaron en sus lienzos, cual catárticos amuletos.

De esta manera, el arte no sólo no se limita a reproducir la belleza, como han exigido muchos, sino que en ocasiones ha acogido en su seno los aspectos más dramáticos de la realidad: la guerra, la muerte y, cómo no, la enfermedad. Y es que, como medio de expresión que se hace eco de todos los aspectos de la vida, no puede dejar de lado aquéllos que la mayoría preferimos no tener presentes. Sin embargo, en determinadas épocas en las que las pandemias hicieron mella en el ánimo colectivo, el arte dio un paso más allá convirtiéndose en una especie de medio de control. Ya en la época de la imprenta podemos encontrar las primeras xilografías en las que un apestado es el protagonista; en este caso, la función era claramente didáctica y el grabado un ejemplo visual para médicos y cuidadores (que así sabrían dónde encontrar los bubones de la enfermedad y cómo curarlos).

La peste bubónica, conocida como Peste Negra, fue una de las epidemias más mortales del pasado: sólo en el siglo XIV diezmaría un tercio de la población europea (eso sin contar los múltiples rebrotes de la enfermedad), de modo que debía ser algo muy presente en la vida cotidiana de finales de la Edad Media.  Esta circunstancia queda recogida en la obra de multitud de maestros de la época y posteriores, como Durero, Holbein como no podía ser de otra manera, El Bosco y Brueghel (El triunfo sobre la muerte, 1562, obra cuya teoría más admitida es la alusión a la peste del XIV). Un tema que más tarde recuperarán artistas como Rubens, Goya de una forma indirecta en sus Desastres (y en La Peste, de 1823) o, casi a comienzos del siglo XX, Arnold Böcklin (La peste, 1898)

Un siglo que asistirá a otra de las pandemias más virulentas de la historia (mató a unos 40 millones de personas): la Gripe española, así llamada porque, debido a la gran cobertura que dieron los medios a la enfermedad en este país, daba la sensación de que era el único afectado. Y, en este caso, hemos de remitirnos a otro amante de lo grotesco: Munch, autor del famoso Autorretrato después de la gripe española. En muchos casos, estas obras son buenos testimonios de un sentir general y un documento histórico de primer orden. En otras, realmente actúan como catársis, procurando al artista el medio para “expulsar” lo que de otra manera no sería capaz de llevar consigo, como sucede con uno de los más conocidos artistas del siglo XX, afectado de otra enfermedad global:  Keith Haring, muerto víctima del sida a los 32 años.

Desterrado de la Nada.

Ensayo hecho por Virginia Goris;  distingida critica de arte dominicana, presentadora de televisión y articulista del periodico LISTIN DIARIO de república dominicana  para ocasión de la tercera exposición individual del artista en la Galería Nader de Santo Domingo en el 2007.

El joven artista Benjamín Cruz, muestra sus obras de nuevo en la Galería Francisco Nader Arte Latinoamericano, en la que exhibe piezas, alegóricas, fantásticas, texturales de convincente estructuras, que atestiguan la fragua de búsqueda y el compromiso por su espacio en el ámbito nativo,  con vuelo internacionalista.  Impulsivo y persistente, el artista más joven presentado por la Enciclopedia Dominicana de Artes Plásticas de Cándido Gerón, se caracteriza por el inconformismo con sus temáticas. En una larga conversación sobre su arte, nos confezo que aburriría haciendo lo mismo, más lo que si perdura entre su anterior entrega y la presente es su vocación por lo humano, por replantear nuestras miserias, nuestro pasado y el presente que se vislumbra en sus piezas de ejecución modernistas. Lo real maravilloso, lo fantástico y antillano ; si las palmeras y el pulso pictórico que mostró en su primera exposición no estuvieran como un cordón umbilical concatenando mensajes, formas, imagenes terrosas, enriquecidas por arena, aserrin y otros elementos extrapictóricos, podriamos decir que estamos frente a otro pintor que sigue su orbita creativa.

Pero no,  es que a esfuerzo de nutrirse con nuevos ámbitos, como su viaje a italia representando al arte joven del pais en la feria cultural de fiuggi, italia en el año 2006 invitado por el ayuntamiento del distrito nacional, así como  su participación  en cursos, como el de estudios intensivos-técnicas actuales en Casa Chavón,  sus avanzados estudios de la Licenciatura en Artes Plásticas de la Facultad de artes de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), con elementos que se amplifican pero como coyuntura apostadoras de una nueva visión o impulso que lo conduce por vias más armoniosas y de mayor belleza plástica.

Quizás el mérito de su presente muestra es el constatar que la crítica constructiva que le hice y que desbrozara más los elemetos de sus anteriores obras lo tomó en cuenta: poder de síntesis, que comienza a dar frutos prometedores en lo que se concretiza en un equilibrio tonal formal, compositivo y por demás temático.

De sus piezas emergente incontenible su visión ancestral, el elemento migratorio, una sensación de fragmentación, de aporte espeleográfico, de sufrimiento por dejar el terruño de bucear con el país a cuestas, mientras deja el lar nativo con dolorosa resignación, volar en su  globo aerostático llevandose la media isla para obviar la añoranza, mientras  el letrismo aporta, refuerza con palabras lo que quiere  decir con las imagenes. “DESTERRADO DE LA NADA”, es la pieza donde condensa con mayor fuerza la destrucción ecologica que le hacemos todos a esta media isla.

En “ODISEA”, con el aro lítico como elemento aglutinante heredado de su anterior exposición, lo utópico de la Gran Manzana, la retrotrae a su visión de piloto enmascarado de una nave que aterriza en nuestro entorno con la fuerza intrépida de la tecnología y el progreso. Reproduce “VOLANDO AL MISMO NORTE” una yola-avión de reminiscencia infantil, va rumbo a Estados Unidos con la carga del país, que  a lo lejos luce desierto.  Camuflado entre máscaras y rostros descubiertos.  Benjamín se autoretrata, es el piloto, el navegante el buzo, astronauta, argonauta, el que va más allá del arcoiris con sus sueños de profeta, de mimético oráculo de resultados presentidos, si no cambiamos el rumbo de nuestra depredadora actitud; manera excluyente y egoista que depreda para su usufructo  pronósticando un herial para el terrorio compartido y para el planeta en su conjunto.

Un camaleónico Benjamín, enmascarado con su propio rostro,  nos recuerda que el alma de la patria, de la tierra que gime, escucha  nuestra sagresiones,  soportándolas unas veces en silencio y otras protestando con la fuerza de huracanes tsunamis y terremotos.

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Cisitalia 202

A la hora de considerar una disciplina como Arte o como no Arte surge el eterno problema de que no existe una definición perfecta e irrebatible de lo que es el Arte. Esta falta de definición provoca que el debate sobre la consideración de Arte o no Arte de muchas disciplinas tales como la Arquitectura o el diseño siga abierto y sea sujeto de opiniones muy dispares.

Por lo que a mi respecta, estoy convencido de que el diseño del automóvil puede ser considerado como Arte.  Pero sucede que esta “disciplina” artística no es libre, sino que está condicionada por

Alfaromeo 8c, 2005

multitud de factores ajenos al Arte.   Al igual que la Arquitectura , en la que se debe tener en cuenta factores como la estabilidad, la durabilidad, la funcionalidad o la economía; el diseño del automóvil está claramente condicionado por otros muchos factores como seguridad, economía, espacio interior y la inevitable automatización del sistema de producción.  No obstante, el diseño del automóvil nos ha dejado algunas obras maestras que merecen ser señaladas.  Aquí publicamos la que es, en nuestra humilde opinión, la lista de “Los 10 Automóviles más bellos del Mundo”.

10. CISITALIA 202 - Pieza de Museo

1947-1952

Diseñador:  Pininfarina

Aunque el nombre de Cisitalia pueda resultar menos conocido que otros fabricantes de esta lista, el precioso Gran Turismo 202 diseñado por Pininfarina merece figurar en ella no sólo por su evidente valor estético, que influiría en muchos coupes de la gloriosa década de los 50, sino por ser el único automóvil que se expone en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), como bellísimo e inolvidable ejemplo de “arte rodante”.

9. ALFA ROMEO 8C - El espíritu permanece

1935-39 and 2007-present

Diseñador: Vittorio Jano (modelo 1935) and Wolfgang Egger ( 2007)

La idea de que el diseño del automóvil se encuentra hoy estrangulado por las presiones de la economía, la seguridad y la extrema automatización de las factorías se apoya, en gran parte, en el hecho de que varios de los más bellos automóviles de hoy en día se inspiren en modelos del pasado.  Pero sin duda, ninguno tan fascinante como la formidable reinterpretación que Alfa Romeo ha hecho del legendario modelo 8C , exitoso modelo de carreras que Vittorio Jano vistió para poder ser usado en la calle.

VOLKSWAGEN BEETLE - El coche del pueblo

1938-2003

Diseñador:  Ferdinand Porsche

Por supuesto, habrá quien considere que el pequeño y modesto Escarabajo no merece figurar en compañía de los exclusivos modelos de esta lista.  Dos argumentos para rebatirlos: en primer lugar, la belleza proletaria del Beetle lo ha hecho sobrevivir en un mundo de diseño competitivo durante 65 años, más que ningún otro automóvil jamás fabricado.  Y en segundo lugar, quien piense que aún así el diseño del Beetle es tosco o desafortunado, que observe todos los Porsches que hayan rodado alguna vez, desde el mítico 356B hasta el actual 911, y que se pregunte si alguna vez habrían existido sin el tenaz y simpático Escarabajo .
Volkswagen Beetle

7. BMW 507 - El Príncipe de Baviera

1956-59

Diseñador:  Conde Albrecht von Goertz

A mediados de los 50, la BMW adolecía de una gama de vehículos cuyo diseño estaba muy por detrás de otros modelos de la competencia.  Por ello, la compañía -más concretamente el importador Max Hoffman- encargó a Albrecht von Goertz el prototipo de un roadster biplaza de líneas rompedoras, de gran longitud y escasa altura.  El 507 se expuso en el Salón de Frankfurt de 1955 y se convirtió de inmediato en el icono de la marca. Incluso Elvis Presley no pudo resistir la tentación de adquirir un ejemplar de este modelo.

No obstante, los elevados costes de producción en una Alemania que aún sufría las consecuencias de la postguerra estuvieron a punto de provocar que este hermoso roadster se convirtiese, paradójicamente, en la perdición de la compañía. Aún así, se le considera hoy en día como uno de los automóviles más bonitos y atractivos jamás producidos.

6. LAMBORGHINI MIURA SVJ - Toro salvaje

1968-71

Diseñador:  Marcello Gandini (Bertone Studio)

“Sabes conducir un tractor, pero nunca sabrás conducir un Ferrari”, se dice que Enzo Ferrari le espetó a Ferruccio Lamborghini cuando éste se quejó del comportamiento de uno de los deportivos fabricados en Módena.  Y Lamborghini, un empresario decidido no dispuesto a aceptar las críticas de nadie, aunque se llamase Enzo Ferrari, decidió vengarse de la manera más valiente y arriesgada: fundando su propia marca de deportivos.  Y aunque sus comienzos fueron dubitativos, con el lanzamiento del Miura Lamborghini se adelantó a la hasta entonces intocable Ferrari.

El Miura era un radical deportivo biplaza de motor central, de líneas ultra agresivas y potente mecánica, que dejaba muy atrás a cualquier Ferrari de su tiempo. No contento con ello, Lamborghini encargó a Gandini una versión aún más exclusiva del Miura, llamado SVJ, un modelo cuyas líneas siguen resultando modernas 35 años después.  Y aunque muchos clientes se quejaron de la incomodidad del Miura, con su pequeño habitáculo apenas separado del poderoso motor -lo que resultaba un infierno en días calurosos-, el Miura SVJ sigue considerándose hoy en día como uno de los mejores y más bellos automóviles jamás creados.  Porque, en efecto, nadie puede esperar torear un miura y salir indemne de tal osadía.

5. FERRARI TESTAROSSA - Tradición y vanguardia

1984-1991

Diseñador:  Pininfarina

Posiblemente ninguna otra marca del mundo del automovilismo sea tan famosa y admirada como Ferrari, pero lo cierto que es que la marca italiana atravesó, a comienzos de los 80, una importante crisis que estuvo a punto de comprometer gravemente su futuro.  La razón: los rabiosos purasangres italianos no lograban conectar con el mercado norteamericano.  La solución vino de la mano del Testarossa, un espectacular deportivo de grandes dimensiones pero tan solo 2 plazas, y con una espectacular mecánica de 12 cilindros.  Con sus líneas armoniosas y sus exuberantes tomas de aire, el Testarossa abrió camino para todos los Ferraris de años posteriores, incluidos los que podemos ver hoy en día en los concesionarios.

4. ASTON MARTIN DB4 GT ZAGATO - Diseño italiano, alma británica

1960

Diseñador:  Ercole Spada (Zagato Studio)

Aston Martin es la marca de deportivos británica por excelencia, y el DB4 está considerado como su modelo más representativo y acertado, pese a que el DB5 y DB7 obtuvieron la fama de ser el coche de las películas de James Bond. En el Salón de Londres de 1960, Aston Martin presentó una edición limitada del DB4 modificada por el prestigioso Estudio Zagato, que sumaba a su espectacular carrocería una mecánica formidable de 314 HP, que podía lanzarlo hasta los 250 km/h .Curiosamente, la escasez demanda del modelo limitó su producción a 20 unidades, que hoy en día pueden superar el millón de euros en subasta.

3. CHEVROLET CORVETTE C1 - El sueño americano.

1954

Diseñador:  General Motors

” In the day we sweat it out in the streets of a runaway American dream
At night we ride through mansions of glory in suicide machines
Sprung from cages out on highway 9,
Chrome wheeled, fuel injected and steppin out over the line ”

Bruce Springsteen

Testimonio legendario de una época ya irrepetible, tiempos en que la gasolina era barata y los límites de velocidad escasos, los jóvenes Corvettes son ahora mucho más que un coche clásico: son un icono del sueño americano. Durante más de medio siglo, el Corvette ha representado la filosofía americana del automóvil deportivo, potente y salvaje, el sueño de millones de jóvenes y no tan jóvenes. Pero ninguno tan mítico como la serie C1 de los 50 y 60, acertadamente sustituido por la C 2 (con su famoso modelo Sting Ray). Si el Arte se define por su capacidad de emocionar, los legendarios Corvettes de los 50 y 60 son sin duda la mayor muestra de arte automovilístico que jamás hayan tomado las carreteras.

2. MERCEDES BENZ 300 SL “GULLWING” - gaviota de altos vuelos

1956-1959

Diseñador:  Daimler-Benz (chasis de Rudolf Uhlenhaut)

Surgido de un modelo de competición, el Mercedes 300 SL sigue considerado hoy en día como el Mercedes más glorioso y deseado, y, posiblemente, como el coche de serie más bello jamás fabricado. Con su línea armoniosa, con una plasticidad casi sensual manifestada en multitud de detalles, desde la leve concavidad de su techo hasta sus majestuosas y posteriormente imitadas puertas en “alas de gaviota” (”gullwing”), el 300 SL era además un modelo excepcional en su conducción, con un ligero motor de 215 CV y un reparto de pesos excepcional, lo que podía catapultarlo hasta los 260 km/h , convirtiéndose en el modelo más rápido de su época.

Heredero de las rapidísimas “flechas plateadas” que arrasaron en competición en los años 30, 40 y 50, el “Gullwing” inició la saga de los Mercedes deportivos que siguen enamorando medio siglo después.

1. BUGATTI TYPE 57 SC ATLANTIC - alta costura

1938

Diseñador:  Jean Bugatti

Con la única excepción de Ferrari, es posible que no exista otro nombre ligado al automovilismo más mítico que el de Bugatti. Marca francesa fundada por un italiano, los Bugatti se convirtieron rápidamente en los objetos de deseo de la alta sociedad de entreguerras, y constituyen sin duda el capítulo más glorioso del automovilismo de la primera mitad del siglo XX.

Gran parte de los mejores diseños de Bugatti salieron de la mente de Jean Bugatti, hijo del fundador Ettore Bugatti. Auténtico genio del diseño y niño prodigio, Jean añadió a su mística el hecho traumático de fallecer en un accidente mientras probaba uno de sus diseños, cuando apenas contaba con 30 años. Su obra maestra es el “Atlantic”, versión del fabuloso modelo T57. Con su sensacional carrocería de aluminio, “cosida” hacia el exterior, y su interior de madera digno de la mejor ebanistería, el Atlantic es considerado por muchos como el coche más bello jamás fabricado. Además, su moderna mecánica de 200 HP le permitía superar los 200 km/h , un hito para un coche de carretera de la época. Sólo tres ejemplares de esta obra de Arte automovilístico salieron de esa fábrica de sueños que era la factoría Bugatti. Uno de ellos, deslumbrante tras varias restauraciones, se conserva en la colección Ralph Lauren (ver fotos). Otro de ellos, color azul Bugatti, se halla en una colección privada norteamericana. Un tercer ejemplar, posiblemente en rojo grana, se cree destruido.

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Retrato del doctor Pérez Costales, 1895. Por Pablo Picasso.

Explorando la etapa menos conocida, pero una de las más determinantes, de la formación del más imporviagrate artista del siglo XX: la estancia de Pablo Picasso en A Coruña.

Acertada o desacertadamente, todos los estudios sobre la vida y arte de Pablo Picasso (1881-1973) tienden a dividir éstas en etapas o “periodos”, tal vez en un intento de hacer más abarcable y accesible su inmensa carrera artística. Así, se ha escrito mucho sobre sus orígenes en Málaga, sobre su formación como artista en Málaga, sus duros comienzos en el Montmartre parisino, y su época como artista ya consagrado en la capital francesa. No obstante, existe una etapa en la vida de Pablo Picasso que permanece, al menos para el gran público, como casi desconocida, una suerte de laguna dentro de la conocidísima carrera artística del gran genio de las Artes plásticas del siglo XX: su breve pero decisiva estancia en A Coruña (1891-1895), clave para la formación del artista

Hemos definido el periodo coruñés de Picasso como “casi desconocido”, aunque ésta es una definición arriesgada que sin duda ofenderá a muchos lectores iniciados en la obra del artista malagueño a los que pido disculpas por anticipado. No obstante, sí es cierto que este periodo permanece un tanto en el “anonimato”, al menos para el gran público. Por lo tanto, hemos de acercar al gran público a esta etapa partiendo de un momento conocido en la carrera del pintor, a partir del cual iremos retrocediendo temporalmente hasta nuestro punto de partida, pretendiendo de esta manera que el lector pueda situar la etapa coruñesa de Picasso dentro de la enorme y compleja vida artística del artista

El contexto temporal: A Coruña dentro de la trayectoria artística de Picasso

Situémonos en 1937. A sus 55 años, un Picasso ya en plena madurez artística acaba de culminar su obra más célebre, el “Guernica”, la pintura que se convertiría en símbolo eterno de la protesta contra la barbarie de las guerras. Retrocediendo apenas unos años, encontramos el Picasso inmerso en su muy personal forma de entender el surrealismo, plasmado en la figura del “Minotauro” y los sensuales y coloridos retratos de su amante, Marie-Therese Walter. Inmediatamente anterior a este periodo hallamos un acercamiento al clasicismo, con obras tan célebres como “La flauta de Pan” (Paris, Museo Picasso) o el “Arlequín con espejo” del Museo Thyssen de Madrid

Vayamos algo más atrás, al periodo inmediatamente anterior a la Primera Guerra Mundial. Un Picasso que ya rondaba la treintena trabaja junto a Georges Braque en la más decisiva de las vanguardias del pasado siglo, el cubismo, iniciado con la que puede ser considerada la pintura más importante y revolucionaria del siglo XX, “Las señoritas de Avignon”. Estamos ya en 1907. Inmediatamente anterior a este periodo encontramos la fascinación de Picasso por el arte africano, un periodo breve, pero de enorme importancia para la obra posterior del artista

Retrocedamos aún más. Los Periodos Rosa y Azul, con sus melancólicas figuras de arlequines y guitarristas, nos trasladan al Montmartre de principios de siglo XX, en donde un joven Picasso de apenas 20 años retrataba la vida nocturna de los cabarets y locales que frecuentaba. Es la época de los bailes y noches sin horas en el “Lapin Agille”, la triste “familia de saltimbanquis” o los autorretratos fríos pero llenos de vitalidad. Aún hoy, los periodos azul y rosa continúan siendo las más fascinantes de todas las etapas artísticas de Picasso

Hemos retrocedido hasta el último lustro del siglo XIX, cuando un Picasso adolescente realiza en Barcelona algunas de sus primeras obras bastante conocidas hoy en día por los amantes del Arte, comenzando por “La primera comunión” (1895), lienzo de increíble realismo que hace comprender la frase del artista “a los 12 años ya sabía dibujar como Rafael, pero necesité toda una vida para aprender a pintar como un niño”. Picasso tenía entonces 13 años, y acababa de llegar a Barcelona con su familia, procendente de una ciudad donde había pasado los últimos 4 años de su infancia: A Coruña

En la ciudad de “La Torre de Caramelo” - las obras de Picasso en A Coruña

El joven Picasso ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de La Coruña, donde, acompañado de su padre, comienza a dibujar al carboncillo y a la plumilla los modelos que encontraba en las calles coruñesas, especialmente los viandantes que frecuentaban la playa de Riazor, y los pescadores del puerto. También se sintió fascinado por los paisajes de los alrededores de la “Torre de Caramelo”, nombre con el que padre e hijo se referían a la Torre de Hércules. A medida que la técnica del joven genio se iba haciendo más depurada, su padre le animó a realizar algunos cuadros al óleo, realizándose en A Coruña algunas de las primeras obras verdaderamente “picassianas”

“La niña de los pies descalzos” (1895) es la obra maestra del periodo coruñés, un retrato vivo y fascinante que parece predecir algunas de las obras más famosas de los periodos rosa y azul. A modo de curiosidad, comentar que esta pintura aparece en un capítulo de la serie “Los Simpson”, en el que Marge trata de instruir a Homer durante la visita a un Museo

“El hombre de la manta” o “El viejo de la manta” (1895, Museo de Málaga) es una pequeña obra que retrata al padre del artista en actitud deprimida, casi enfermiza, lo que se comprende si se tiene en cuenta que el cambio del clima soleado de Málaga al ambiente húmedo de las tierras gallegas causó una gran depresión en José Ruiz Blasco. Una obra que se suele relacionar con ésta es “Pareja de ancianos”, en el que destaca especialmente la expresión enigmática de la anciana

La segunda obra clave del periodo coruñés (junto con la ya comentada “La niña de los pies descalzos”) es el “Retrato del doctor Pérez Costales” (1895, Museo de Málaga), médico y ex-ministro, y amigo personal del padre de Picasso. El joven artista representa al doctor en actitud relajada, como un venerable sabio, en un alarde de capacidad de penetración psicólogica que produciría, en pocos años, retratos tan famosos como el “Ángel Fernández de Soto” o el propio autorretrato del artista.

La huella de Picasso en A Coruña

De todas las ciudades en las que Pablo Picasso residió a lo largo de su vida, A Coruña es la única que no contaba con un Museo dedicado al genio. El Ayuntamiento decidió hace años poner fin a esto con la restauración de la Casa-Museo Pablo Picasso, la antigua vivienda del artista en el ensanche coruñés, que se conserva con muy pocos cambios con respecto a los tiempos del artista. En ella se exponen, además, 27 reproducciones de las obras que Picasso pintó durante su estancia en la ciudad herculina. No obstante, la ausencia de obras originales (que puede ser comprensible debido a la ausencia de legados por parte de las herederas del artista) y el descorazonador horario del Museo, que exige de reserva previa, hacen imposible colocar a esta institución a la altura de los museos dedicados al artista en su Málaga natal, Barcelona o París.

Que el nombre de Pablo Picasso es un filón para el hoy en día tan de moda “turismo cultural” es innegable, y es posible que existan posibilidades de incorporar la ciudad de A Coruña dentro del más importante mapa “picassiano” sin necesidad de enormes desembolsos económicos. La realización de la “Ruta Picasso”, propuesta hace unos años, es una de ellas, y tal vez podría estudiarse la posibilidad de realizar exposiciones temporales de las obras “coruñesas” de Picasso, conservadas en gran parte en los museos de Málaga y París. La iniciativa privada puede tener la clave del éxito de estas operaciones.

Por Luis del Castillo.

Una gran cantidad de personas,  que se puede catalogar como exitosas en cualquier ámbito dentro de la sociedad, pasaron momentos financieros bien apretados en algún punto del inicio de sus respectivas carreras.  Las anécdotas,  de los ahora ricos y famosos,  son incontables,  variadas y,  algunas,  hasta chistosas.  Los artistas plásticos no sólo no son la excepción a esta regla; sino que los problemas económicos han ido de la mano siempre con estos individuos e incluso muchos grandes maestros sufrieron en carne propia los embates de la escasez de recursos.

No pretendemos enumerar las carreras artísticas que han sido limitadas y, en muchos casos, destruidas por los problemas de falta de dinero; porque nos faltaría espacio y no haríamos ninguna contribución para mejorar esa situación.  Sólo nos ocuparemos en resaltar algunas  consecuencias que produce esta condición y presentaremos  sugerencias para que los artistas plásticos puedan sobrellevar los malos tiempos.

La primera consecuencia de la falta de recursos económicos es el compromiso con la creación.  Debemos entender que cada obra de arte es la manera única que escoge un artista,  para expresar su  mensaje y sus sentimientos.  Cada vez que, por cualquier razón, un exponente no puede plasmar en su trabajo lo que quiere, el mensaje se distorsiona e, incluso, no llega en lo absoluto.

La segunda consecuencia de no tener suficiente dinero es la entrega a los vicios.  La fustración que se produce cuando no se tiene los resultados esperados,  lleva a un número importante de artistas a caer en vicios como alcohol y drogas; buscando, a través de ellos, un alejamiento momentáneo  a sus problemas.  Una vez en uno de estos males, los exponentes tienden a perder capacidad de trabajo y de creación,  a medida que su adicción crece.  Esta situación tiende a sumergirlos en una espiral que se los va tragando, hasta que, finalmente,  pierden lo que fue su gran talento.

La tercera consecuencia es el desorden familiar.  A medida que los fondos no aparecen a través de su trabajo,  el cónyuge del artista o sus familiares cercanos van ejerciendo presiones que pueden llegar a provocar rupturas en las relaciones.  Hay muchos artistas que al perder sus sostenes emocionales, decae su ánimo y su trabajo empieza a ser errático y sin calidad.

Por otro lado,  es importante agregar que los artistas,  de todas las ramas, han sido predispuestos por la sociedad y, en cierta medida, por aquellos que se benefician de sus carreras,  a que deben ser desorganizados, viciosos y descuidados.   Se acepta,  con facilidad,  que estos individuos se sometan a excesos; incluso cuando afecten a su salud y a su trabajo.  Creo que esos estereotipos son errados.  Un pintor no debe conducirse de una forma determinada, por el hecho de su condición.  Cada persona, sin importar que sea artista o no,  debe hacer, vestir o consumir de acuerdo a un criterio que sea dictado por sus gustos y preferencias.  No debe, bajo ningún concepto, guiar su comportamiento por lo que prefije la sociedad.  Si eres artista y quieres tener el pelo largo, bien.  Ahora bien, si quieres tenerlo corto, también es correcto.

Esto se aplica al dinero, de la misma forma.  Hay una corriente que sostiene que los artistas deben ser unos incapaces, al momento de manejar su dinero y negociar sus obras.  Eso es un concepto errado.  Cada artista puede manejar su dinero sabiamente, si así lo decide.  Sólo es una cuestión de organizarse y disponerse a preservar su equilibrio financiero.  El manejo financiero de un  artista plástico no es diferente al de un médico con un consultorio privado o al de cualquier otro profesional independiente.  Unos y otros no reciben salario fijo, son sus propios  jefes y nadie les controla su tiempo.  Entonces, ¿Por qué vemos muchos médicos prósperos y pocos artistas en la misma condición?

La respuesta a la pregunta anterior no es simple.  Se podría decir que una persona tiene que ir al doctor por obligación porque, de lo contrario, puede enfermarse más.  Pero, debemos tomar en cuenta que hay muchos médicos con la misma especialidad.  La competencia es fuerte.     Otro asunto es que un médico dura quince años estudiando y después, si decide tener una consulta privada;  debe,  con paciencia,  formar poco a poco una clientela.  Otros profesionales independientes quizás  tienen un proceso de desarrollo distinto, pero, aún así, deben de agotarlo.  De la misma forma, los artistas tienen que quemar etapas.  Deben ir perfeccionando su propuesta artística, crear una iconografía propia y luego, de todo eso, empezar gradualmente a conseguir una clientela que le permita vivir de su trabajo.

Queremos concluir con algunas sugerencias para que los artistas logren la sostenibilidad financiera:

1. Buscar actividades remuneradas que le permitan ganar el sustento sin necesidad de vender sus creaciones artísticas a precios bajos.  Hay artistas que venden obras de otros colegas; otros que ponen negocios de asuntos diversos, a veces divorciados de su vocación principal;  otros se dedican a la docencia. En fin, no importa el oficio que se realice;  lo importante es que le permita al artista cumplir con sus obligaciones, hasta que su obra se posicione en el mercado.

2. Definir los precios de sus creaciones buscando que los mismos sean justos y adecuados.  Es importante resaltar en este punto, que un artista puede tener una idea de cuanto debe valer su obra; y el mercado, que es quien finalmente dicta el veredicto final, puede tener otro criterio de dicho precio.  Para esto, se puede indagar con críticos de arte y vendedores acreditados, con el objetivo de hacer un consenso sobre los valores a los que se puede vender cada obra dependiendo de su formato.  Una vez se empiece a trabajar con una escala de precios, debe respetarse absolutamente.  En ese sentido, cuando las ventas se regularizan; se puede inferir que la obra está ganando espacio a los valores vigentes y, entonces, podría considerarse un aumento de un diez por ciento anual.  En caso contrario, si no se pueden hacer negocios con dichos precios, debe de considerarse una reducción en los mismos.  Si se opta por disminuir precios, no debe hacerse irracionalmente.  Se puede volver a indagar con los actores del mercado del arte, para consensuar un nuevo valor para la obra del artista.  Una vez se define la nueva escala de precios con las reducciones, el artista debe mantenerla fija por,  al menos,  un año.

3. Una obra de arte, como todo producto dentro de un mercado, debe contar con canales de distribución que faciliten su comercialización.  Los dueños de Galerías y los mecenas son los intermediarios por excelencia dentro de este proceso de ventas.  Los artistas deben darse a conocer dentro de este grupo de individuos y establecer relaciones cordiales con la mayor cantidad de ellos.  En adición a lo anterior, deben proporcionar precios más bajos a este grupo para que ellos se sientan motivados a comercializar la obra.  Normalmente,  el precio para intermediarios es un sesenta por ciento del precio que se usa  para clientes finales.

4. Todo artista debe negarse a los intercambios de sus obras por asuntos materiales.  Cuando un creador hace un trueque, cede el control de imponer sus precios.  Además, da la impresión de que el volumen de sus ventas es bajo y que sus entradas de efectivo no le permiten conseguir las cosas que quiere o necesita.

5. Todo artista debe prepararse con estudios formales o informales.  Hay dos motivos por los que  debe hacerlo.  Primero, porque la lectura y los salones de clase dan consistencia a las ideas que luego se van a plasmar en las creaciones artísticas.  La segunda razón es porque la educación aumenta el discernimiento y fomenta valores positivos.  En ese sentido, se va desapareciendo la ignorancia y las personas adquieren seguridad en sí mismos, lo que los aleja de asuntos vanos y mundanos.  A medida de que se va alejamiento se produce, se hacen menos dependientes de objetos materiales inútiles y se tornan inmunes a los que vengan a deslumbrarlos con destellos de riqueza y promesas vanas.

6. Hacer exposiciones individuales con regularidad (una cada dos años), donde se muestre la obra a los intermediarios de arte y posibles clientes finales.  Los precios que tengan las obras expuestas deben ser los mismos que los definidos  por el artista en su comercialización cotidiana, tal cual se expuso anteriormente.  Es vital hacer un buen catálogo de obras, para poder usarlo en negocios post-exposición y que constituyan documentos que sostengan la carrera artística del individuo.  Se debe evitar las galerías donde se deba dar obras para exponer y es mejor si se puede pagar en efectivo el alquiler del salón.

7. Todo artista debe tener un control estricto en el manejo de sus obras.  Cada trabajo debe estar fotografiado y con un registro de los movimientos del mismo.  Se debe tener escrito a quien se le vendió y a que precio.  Si se le cede  a algún intermediario, debe quedar por escrito las condiciones del préstamo.  Esto quiere decir,  que se debe firmar un documento donde se especifique el precio acordado y la cantidad de tiempo que el intermediario se quedará con la obra.

8. Utilizar técnicas contemporáneas de promoción,  para dar a conocer la obra,  como anuncios en revistas de arte especializadas o envíos de emails en masa.

9. Aunque no sea por el motivo de una exposición, si el artista tiene un número importante de obras; puede publicar un catálogo con fotos de las mismas.  Esto fortalece la imagen pública del artista y no implica los costos adicionales al catálogo, que se incurren cuando se organiza una exhibición individual.

10. Participar en concursos, bienales y otras actividades parecidas.  En estas actividades nunca hay que pagar sumas grandes para participar y los artistas adquieren prestigio sólo por estar.  Además, de que los premios y menciones que se pueden obtener en dichos eventos, pueden catapultar una carrera.  Por otro lado, el artista debe descartar todas las exposiciones colectivas donde haya que dar obras de su autoría para entrar.

11. Por ultimo, adentrarse en convicciones religiosas, sin importar la que sea; puede ser muy beneficioso para el alma y las finanzas de un artista.  Encontrarse con su parte espiritual, lo aleja de asuntos vanos y le proporciona una paz que tenderá a verse en los trabajos del individuo.

Una de las piezas subastadas

La colección privada de Yves Saint Laurent ha recaudado 366 millones, la cifra más alta desde 1997.

Dos figuras en bronce de origen chino fueron vendidos hoy por un total de 28 millones de euros en la última jornada de la subasta de la colección de arte privada de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé.

Los dos objetos representan un conejo y una rata, fueron robadas hace 150 años del Palacio de Verano de Pekín y las autoridades chinas los reclamó, sin éxito, antes de ponerse a la venta en el lote de arte asiático con el que termina la denominada “subasta del siglo”.

El modisto francés Saint Laurent, fallecido el pasado verano, las compró hace ya muchos años en una venta privada y su compañero, Pierre Bergé, dijo estar dispuesto a donarlas a China si las autoridades de ese país se comprometían a respetar los Derechos Humanos, algo que Pekín calificó de “ridículo”.

El precio alcanzado por los bronces -se vendieron a 14 millones de euros cada uno- supera en cuatro millones de euros la cifra estimada de venta por la sala de subastas Christie’s, encargada de poner en el mercado la colección privada Saint Laurent-Bergé.

Con estas ventas la cifra total provisional de la operación subasta, que ha batido numerosos récords durante tres días, supera los 366 millones de euros y ya se ha convertido en la que más ha recaudado desde 1997, cuando la colección Victor y Sally Ganz obtuvo 163 millones de euros.

Entre esos récords está el conseguido por un cuadro del pintor francés Henri Matisse (1869-1954) -”Les coucous, tapis bleu et rose”-, que se vendió el lunes por 35 millones de euros, así como los 26 millones que recaudó la escultura del rumano Constantin Brancusi (1876-1957) “Portrait de madame LR”.

El martes la subasta de la colección de mobiliario asombró a los asistentes cuando una butaca de la diseñadora de origen irlandés Eileen Gray (1878-1976) llegó a los 21,9 millones de euros, muy por encima de los entre 2 y 3 millones de euros que Christie’s estimaba podría alcanzar.

Entre los objetos que más pugna causaron entre los coleccionistas estuvo un frasco de perfume de Marcel Duchamp, que escaló hasta la cima de 7,9 millones de euros.

LAS ESTRELLAS DEL AÑO

Francis Bacon: “Tríptico, 1976”

$86,281,000 en Sotheby’s Nueva York, 14 de mayo de 2008

La más importante de las obras de Bacon que permanecen en manos privadas fue la estrella de la subasta de Sotheby’s, que vendió obras por un valor conjunto de 362 millones de dólares.

Claude Monet: “Le bassin aux nympheas”

£40,921,250 / $80,451,178 / €51,683,539 en Christie’s Londres, 24 de junio de 2008

Una de las obras más bellas de la serie de los nenúfares, y por supuesto una de las pinturas de Monet más importantes aún en una colección particular, que sobrepasó con creces el anterior record de subasta para el artista.

Kazimir Malevich: “Composición suprematista”, 1916

S60,002,400 en Sotheby’s Nueva York, 3 de noviembre de 2008

Esta obra maestra fue realizada en 1916, el mismo año en que Malevich publicó su Manifesto Suprematista. La pintura formó parte de las colecciones del Museo Stedelijk en Amsterdam durante los últimos 50 años, antes de ser restituida a sus dueños originales.

Francis Bacon: “Tríptico, 1974-77”

26.3 millones de libras (35.2 millones de euros) en Christie’s Londres, 8 de febrero de 2008

Este tríptico es una de las mejores y más misteriosas obras de Bacon de la década de los 70, y la obra de Arte contemporáneo más valiosa vendida en Europa el pasado año.

LOS ÉXITOS

Una jarra de porcelana blanca y azul de la Dinastía Joseon, Corea

$4,184,000 en Bonhams, San Francisco, 9 de diciembre de 2008 – estimación previa de $200,000/300,000

Creada alrededor del año 1800, esta bella jarra superó el record de subasta para una porcelana coreana, y demostró que el mercado del Arte está vivo más allá de Sotheby’s y Christie’s.

Atribuido al escultor Unkei: estatua de Dainichi Nyorai

$12,617,000 en Christie’s Nueva York, marzo de 2008 – estimación previa de $1,500,000-2,500,000

Realizada alrededor del año 1190, esta escultura es la obra de arte japonés más cara de todos los tiempos, y fue adquirida en la subasta por la compañía japonesa Mitsukoshi Co Ltd.

Llave ka’ba, siglo XII

£9,204,500 en Sotheby’s Londres, abril 2008 – estimación previa de £300,000 - 500,000

Esta pieza es un símbolo del poder de los califas de Bagdag, y apenas medio centenar de piezas similares se conservan en el mundo. Este ejemplar provenía de una colección privada libanesa, y es el segundo más antiguo que se conoce.

Thomas Moran: “Green river of Wyoming”

$17,740,000 en Sotheby’s Nueva York, 21 de mayo de 2008 – estimación previa de $3.5-5 millones.

Esta espectacular obra se cuenta entre lo mejor de Thomas Moran, uno de los principales pintores del siglo XIX americano.

Busto de una reina o diosa, Egipto, periodo Ptolemaico, c.305-30 antes de Cristo

$1,082,500 en Sotheby’s Nueva York, 5 de mayo de 2008 – estimación previa de $40,000-60,000

Una de las mayores y más inesperadas sorpresas de la temporada fue esta pequeña pero muy bella pieza proveniente del Antiguo Egipto.

LAS DECEPCIONES

Francis Bacon: “Estudio para un autorretrato”, 1964

No vendido en Christie’s Nueva York, 12 de noviembre de 2008 – estimación previa de más de 40 millones de dólares

Tras los éxitos absolutos de los dos trípticos de Bacon vendidos en Londres y Nueva York (ver arriba), gran parte del interés de la temporada de subastas de noviembre se centraba en esta vibrante obra.

Claude Monet: “La Cathedrale dans le Brouillard”, 1893

No vendido en Sotheby’s Nueva York, 3 de noviembre de 2008 – estimación previa de $16-22 millones

La serie de la Catedral de Rouen por Claude Monet es posiblemente la composición más icónica de todo el movimiento impresionista, y ninguna colección está realmente completa sin uno de sus ejemplares, por lo que no existe una explicación convincente para el hecho de que esta obra no hallase comprador.

Edouard Manet: “Filette sur un banc”, 1880

No vendido en Christie’s Nueva York, 5 de noviembre de 2008 – estimación previa de $12-18 millones.

Pocos, muy pocos ejemplos de los más inspirados retratos de Manet salen al mercado hoy en día, y esta bella obra es uno de ellos. No obstante, nadie ofreció los 10.5 millones de dólares de su precio de salida.

Weeping Woman de Picasso

Aunque esta lista surge de un profundo estudio de los pintores, su contribución a la pintura, y su influencia en artistas posteriores; somos conscientes de que la objetividad no existe en el Arte, por lo que entendemos que gran parte de los lectores no estén de acuerdo con la lista. En cualquier caso,  no nos  creemos dueños de la verdad, y esta lista sólo pretende ser un homenaje a la pintura y a los nombres que han hecho de ella un Arte inolvidable.

1. PABLO PICASSO (1881-1973) – Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.

2. GIOTTO DI BONDONE (c.1267-1337) – Se ha dicho que Giotto fue el primer pintor verdadero, al igual que Adán fue el primer hombre. Estamos de acuerdo en lo primero. Giotto continuó el estilo bizantino de Cimabue y otros predecesores, pero se ganó el derecho a figurar con letras de oro en la historia de la pintura al dotar a sus obras con una cualidad casi desconocida hasta la fecha: la emoción.

3. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar.

4. PAUL CÉZANNE (1839-1906) – “Cézanne es el padre de todos nosotros”. Esta lapidaria frase ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera en realidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y el resto de las vanguardias del siglo XX

5. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) – El fascinante, magnético juego de luces y sombras de sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del mayor desconocido: uno mismo

6. DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660) – Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un “pintor de atmósferas” casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en las colosales pinturas de cámara (“Meninas”, “La fragua de Vulcano”) como en los audaces e inolvidables bocetos de la Villa Médicis.

7. WASSILY KANDINSKY (1866-1944) – Aunque el título de “padre de la abstracción” ha sido asignado a múltiples artistas, desde Turner hasta Picasso, pocos pintores podrían reclamarlo con tanta justicia como Kandinsky. Muchos artistas han conseguido emocionar, pero muy pocos han logrado, además, cambiar nuestra manera de entender el Arte. Wassily Kandinsky pertenece a estos últimos

8. CLAUDE MONET (1840-1926) – La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve en ocasiones “olvidada” por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la pintura (un “defecto” que el propio Monet propició al declarar “no entiendo por qué la gente quiere entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del día, y la cualidad casi abstracta de sus “nenúfares” son un prólogo evidente al Arte del siglo XX.

9. CARAVAGGIO (1571-1610) – El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas “tenebristas” captadas en perspectivas forzadas

10. JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1881) – “Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas…”, escribió un crítico de la época sobre William Turner, el más grande paisajista de todos los tiempos. Los experimentos de Turner durante sus últimos años, cercanos ya a la abstracción, están entre lo más adelantado a su tiempo que se haya visto en la historia del Arte

11. JAN VAN EYCK (1390-1441) – Van Eyck es el colosal pilar sobre el que se apoya toda la pintura flamenca de los siglos posteriores, un genio de la precisión, la perspectiva y la meticulosidad, muy por encima de cualquier otro artista de su época, sea flamenco o italiano.

12. ALBERTO DURERO (1471-1528) – El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros artistas en representar la naturaleza sin artificios, tanto en sus paisajes como en sus dibujos de plantas y animales

13. JACKSON POLLOCK (1912-1956) – La gran figura del expresionismo abstracto y el pintor que divide el siglo XX entre vanguardias y post-vanguardias. Sus “drips“ del periodo 1947-1952 son uno de los grandes momentos del Arte contemporáneo

14. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura

15. PAUL GAUGUIN (1848-1903) – Una de las figuras más fascinantes de la historia de la pintura, su obra se movió entre el impresionismo (que pronto abandonó) y el simbolismo, colorista y vigoroso, de sus obras en la Polinesia. Hoy en día, Matisse y el fauvismo no pueden comprenderse sin la obra de Gauguin

16. FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en Fuendetodos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis

17. VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán

18. ÉDOUARD MANET (1832-1883) – Manet fue el faro del Impresionismo, un revolucionario dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. La “Olimpia” o “El desayuno sobre la hierba” abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo

19. MARK ROTHKO (1903-1970) – La influencia de Rothko en la historia de la pintura aún está por cuantificar, pues lo cierto es que casi 40 años después de su muerte la influencia de las grandes masas de color y emoción de los lienzos de Rothko sigue en aumento en muchas de las primeras tendencias pictóricas del siglo XXI

20. HENRI MATISSE (1869-1954) – La crítica tradicional tiende a considerar a Matisse como el mayor exponente de la pintura del siglo XX junto a Picasso. Quizás sea exagerado, aunque es cierto que el uso casi puro del color en algunas de sus obras influyeron enormemente en muchas de las vanguardias posteriores

21. RAFAEL (1483-1520) – Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a dibujo y color.

22. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) - Basquiat es, sin duda, el más importante y conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80, una corriente artística cuya influencia –enorme, desde luego- en la pintura posterior todavía está por medir

23. EDVARD MUNCH (1863-1944) – Modernista por su contexto, Munch podría ser considerado además el primer pintor expresionista de la historia. Obras como “El grito” son claves para comprender la pintura del siglo XX

24. PIET MONDRIAN (1872 -1944) – Junto con Kandinsky y Malevich, Mondrian es la principal figura de la primera abstracción pictórica. Tras emigrar a Nueva York, Mondrian dota a la abstracción de una velada cualidad emocional, como se ve en su serie de “boogie-woogies” realizada en la década de los 40

25. PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492) - Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”. Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte

26. PETER PAUL RUBENS (1577-1640) – Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día

27. ANDY WARHOL (1928-1987) – Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares (como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han influenciado a una gran parte de la pintura posterior

28. JOAN MIRÓ (1893-1983) – Como casi todos los genios, Miró es un artista inclasificable. Su interés por el mundo de lo inconsciente, lo oculto en el fondo de la mente, lo acerca al surrealismo, pero con un estilo personal, a veces más cercano al fauvismo o expresionismo, llegando hasta el punto de pasar largas temporadas sin ingerir alimentos para provocar un estado mental alterado que pudiera expresar aquello que Miró buscaba plasmar en sus pinturas

29. TOMASSO MASACCIO (1401-1428) – Pintor malogrado, pasará a la historia de la pintura como uno de los primeros en aplicar a sus obras las leyes de la perspectiva científica. Uno de los grandes renovadores de la pintura del temprano Renacimiento

30. MARC CHAGALL (1887-1985) – Artista de sueños y fantasías, Chagall fue toda su vida un inmigrante fascinado por las luces y colores de los lugares que visitaba. Pocos nombres de la Escuela de París de principios del siglo XX han contribuido tanto y con tal variedad a cambiar el Arte del siglo XX como este extranjero “impresionado por la luz”, como el mismo se definía.

31. GUSTAVE COURBET (1819-1877) – Figura principal del realismo, y claro precedente de los impresionistas, Courbet es uno de los mayores revolucionarios –tanto a nivel artístico como en su faceta de activista social- de la historia de la pintura. Al igual que Rembrandt y otros predecesores, Courbet no buscó crear belleza, sino que consideraba que la belleza más pura era representar la realidad sin artificios

32. TIZIANO (c.1476-1576) – La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en artistas posteriores –Rubens, Velázquez- es importantísima.

33. NICOLAS POUSSIN (1594-1665) – El más grande de los pintores del barroco francés, Poussin ejerció una influencia vital sobre toda la pintura gala de siglos posteriores. Su uso del color es único entre todos los pintores de su era

34. WILLEM DE KOONING (1904-1997) – Tras Pollock, la figura principal del expresionismo abstracto, aunque una de sus mayores aportaciones fue no sentirse atado por la abstracción, y recurrir frecuentemente a una figuración desgarradora (su serie de “Mujeres”, por ejemplo) de gran influencia en artistas como Bacon o Freud.

35. PAUL KLEE (1879-1940) – En un periodo artístico de revoluciones e innovaciones, pocos artistas fueron tan determinantes como Paul Klee. Sus estudios sobre el color, que enseñó en la Bauhaus, son únicos entre los artistas de la época

36. FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente –junto a Lucian Freud- de la llamada “Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época

37. GUSTAV KLIMT (1862-1918) – A medio camino entre el modernismo y el simbolismo aparece la figura de Klimt, quien también se dedicó a las artes industriales. Sus paisajes casi abstractos le convierten, además, en un predecesor de la abstracción geométrica.

38. EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) – Es la figura clave del romanticismo pictórico y una influencia vital para el impresionismo francés. “La Libertad guiando al pueblo” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época

39. PAOLO UCCELLO (1397-1475) – “Qué dulce amante es la perspectiva”. Esta frase atribuida a Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento

40. WILLIAM BLAKE (1757-1827) – Místico y revolucionario, pintor y poeta, Blake es una de las figuras más fascinantes del Arte de cualquier era. Sus acuarelas, grabados y témperas rebosan una imaginación (casi locura) sin parangón entre los artistas de su era

41. KAZIMIR MALEVICH (1878-1935) –Creador del suprematismo, Malévich será por siempre una de las figuras más polémicas de la historia del Arte entre el gran público, que se divide entre aquellos que lo consideran un renovador imprescindible y aquellos que consideran que sus obras basadas en polígonos de colores puros no merecen ser considerados obras de Arte

42. ANDREA MANTEGNA (1431-1506) – Uno de los mayores exponentes del Quattrocento, interesado en la figura humana, que representa en muchas ocasiones bajo perspectivas extremas (“El Cristo muerto”)

43. JAN VERMEER (1632-1675) – es el principal exponente de la Escuela del Delft, y por derecho propio figura entre los grandes paisajistas de todos los tiempos. Obras como “Vista del Delft” se consideran como casi impresionistas por la viveza de su pincelada. También fue un hábil retratista

44. EL GRECO (1541-1614) – Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglos después, por los pintores impresionistas

45. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) – Figura principal del romanticismo pictórico alemán, aún hoy se le identifica como el pintor de los paisajes de soledad y angustia, con figuras humanas enfrentadas a la magnificencia de la naturaleza

46. WINSLOW HOMER (1836-1910) – La principal figura de la pintura americana de su era, Homer supuso un soplo de aire fresco para la escena americana, que se encontraba entre el academicismo y el casi romanticismo de la Escuela del Río Hudson. El trazo suelto y alegre de Homer le acerca al impresionismo

47. MARCEL DUCHAMP (1887-1968) – Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Su contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte

48. GIORGIONE (1478-1510) - Como tantos otros pintores malogrados Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta dónde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea

49. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497-1543) – Tras Durero, el más grande de los pintores alemanes de su época, el fascinante retrato de “Los embajadores” sigue siendo una de las pinturas más enigmáticas de la historia del Arte

50. EDGAR DEGAS (1834-1917) – No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX

51. FRA ANGELICO (1387-1455) – Uno de los mejores coloristas del temprano Renacimiento, y quizás el primero en evolucionar los avances realizados por Giotto di Bondone

52. GEORGES SEURAT (1859-1891) - Georges Seurat es uno de los más importantes pintores post-impresionistas, y está considerado como el creador del “puntillismo”, un estilo de pintura en el que pequeños puntos de colores primarios crean la impresión de masas de colores secundarios e intermedios

53. JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721) – Watteau está considerado hoy en día como uno de los pioneros del rococó. Lamentablemente, murió en su máxima plenitud artística, como demuestra el genial retrato de “Gilles” realizado el año de su muerte

54. SALVADOR DALÍ (1904-1989) – “¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!”, bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas. Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo

55. MAX ERNST (1891-1976) – A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo aparece el nombre de Max Ernst, importante en ambas tendencias. Ernst fue un valiente explorador artístico que contó con el apoyo de la mecenas Peggy Guggenheim, con quien estuvo casado

56. TINTORETTO (1518-1594) - Tintoretto es el más ambicioso de los maestros venecianos (aunque no el mejor, ese honor sólo puede ser reclamado por Tiziano o Giorgione) y su magna obra culmina no solo el esplendor veneciano hasta la era de Canaletto, sino que le convierte también en el último de los maestros del Cinquecento.

57. JASPER JOHNS (n.1930) – La última leyenda viva del Pop-Art, aunque él nunca se ha considerado como tal. Sus obras más famosas son las de la serie “Flags (banderas)” y “targets (dianas)”

58. SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) – “Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue”, se ha escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de toda la pintura antigua

59. DAVID HOCKNEY (n. 1937) - David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región

60. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916) – La máxima figura del futurismo italiano, fascinado por el mundo de la máquina, en continuo movimiento, un símbolo de los nuevos tiempos contemporáneos

61. JOACHIM PATINIR (1480-1524) – Mucho menos dotado técnicamente que otros pintores flamencos como Memling o Van der Weyden, su contribución a la historia del Arte es vital por la incorporación del paisaje como elemento principal de la obra

62. DUCCIO DA BUONISEGNA (c.1255/60 – 1318/19) – Mientras Giotto di Bondone cambiaba en Florencia el rumbo de la historia de la pintura, Duccio de Buonisegna también aportaba un soplo de aire fresco a la importante escuela sienesa.

63. ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464) – Tras Van Eyck, el principal exponente de la pintura flamenca del siglo XV, maestro de la perspectiva y la composición

64. JOHN CONSTABLE (1776-1837) – La gran figura del paisajismo inglés, junto con Turner. Sus propias autolimitaciones (jamás salió de Inglaterra) impiden que este artista de gran técnica ocupe un puesto similar al del anterior en la historia de la pintura

65. JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825) – David es la cumbre del neoclasicismo, cuyas composiciones grandiosas parecen un reflejo de su ajetreada y revolucionaria vida

66. ARSHILLE GORKY (1905-1948) – Pintor de orígenes armenios, partiendo del surrealismo fue uno de los primeros artistas en abrazar el expresionismo abstracto. Fue llamado “el Ingres del inconsciente”

67. HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) (1450-1516) – El Bosco es una de las figuras más fascinantes de la pintura antigua. Profundamente religioso, El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. Para ello crea obras como “El tríptico de las delicias”, considerado por algunos como un prólogo al surrealismo

68. PIETER BRUEGEL EL VIEJO (1528-1569) - Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior

69. SIMONE MARTINI (1284-1344) – Uno de los grandes pintores del Trecento italiano, fue un paso más allá al contribuir a expandir los avances de éste, dando lugar al llamado “Estilo Internacional”

70. FRIDA KAHLO (1907-1954) – La fama que ha alcanzado su figura casi trágica en los últimos años parece oscurecer la importancia que Frida tuvo en el Arte latinoamericano. Marcada desde pequeña por las secuelas físicas de un accidente de autobús, los autorretratos de Kahlo parecen lamentos silenciosos.

71. FREDERICK EDWIN CHURCH (1826-1900) - Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne

72. EDWARD HOPPER (1882-1967) – Hopper pasará a la historia de la pintura como el pintor de la soledad urbana. Su obra más famosa, el célebre “Nighthawks” (1942) se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX.

73. LUCIO FONTANA (1899-1968) – Padre del “Manifiesto Blanco”, que afirma que “La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo Arte”. Sus “conceptos espaciales” son ya un icono del arte de la segunda mitad del siglo XX

74. FRANZ MARC (1880-1916) – Tras Kandinsky, la gran figura del grupo expresionista “El jinete azul” y uno de los más importantes pintores expresionistas. Su muerte prematura acaeció en plena evolución artística, cuando su uso del color anticipaba ya la abstracción

75. PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919) – Otro de los grandes nombres del Impresionismo que pronto abandonó el movimiento para seguir una línea más personal, más similar al academicismo

76. JAMES MCNEILL WHISTLER (1856-1921) – Junto con Winslow Homer la gran figura de la pintura americana de su época. Whistler fue un excelente retratista, destacando el retrato de su propia madre, considerado como una de las grandes obras maestras de la pintura americana

77. THEODORE GÉRICAULT (1791-1824) – Figura clave del romanticismo, de vida y obra revolucionaria pese a sus orígenes burgueses. “La balsa de la medusa” es una de las primeras obras de denuncia contra el poder que ha dado la pintura

78. WILLIAM HOGARTH (1697-1764) – En una lista de los grandes retratistas de todos los tiempos nunca debería faltar la figura de Hogarth, cuyos estudios y bocetos podrían clasificarse incluso de preimpresionistas

79. CAMILLE COROT (1796-1875) – Una de las grandes figuras del realismo francés del XIX y sin duda alguna una de las mayores influencias para los impresionistas como Monet o Renoir, gracias a su amor por representar la naturaleza al aire libre, haciendo hincapié en el uso de la luz

80. GEORGES BRAQUE (1882-1963) – Junto con Picasso y Juan Gris, la principal figura del cubismo, la más importante de las vanguardias artísticas del siglo XX

81. HANS MEMLING (1435-1494) – Quizás el más completo de los pintores flamencos del siglo XV, aunque no tan innovador como Van Eyck o Van der Weyden

82. GERHARD RICHTER (n.1932) – Uno de los artistas más importantes de las últimas décadas, Richter es tan conocido por sus fieras abstracciones llenas de color como por sus serenos paisajes y escenas de velas

83. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) – Uno de los retratistas más originales de la historia de la pintura, considerado como un pintor “maldito” por su ajetreada vida y su muerte prematura

84. GEORGES DE LA TOUR (1593-1652) – La influencia de Caravaggio es evidente en De la Tour, cuyo empleo de la luz y la sombra es único entre los pintores barrocos de su era

85. JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875) – Una de las figuras principales de la Escuela de Barbizon, autor de una de las obras más emocionantes de la pintura del XIX: El “Angelus”

86. FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) – El más cercano a Caravaggio de todos los barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la pintura de su tiempo

87. CIMABUE (c.1240-1302) – Pese a que en algunas obras Cimabue representa ya una evolución al rígido arte bizantino, su mayor contribución a la pintura fue el descubrir (cuenta la leyenda que pintando ovejas con una tiza sobre una roca) a un joven talento llamado Giotto, que cambiaría para siempre la pintura occidental

88. JAMES ENSOR (1860-1949) – Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo convierten en un precursor del expresionismo

89. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) – Una de las principales figuras del surrealismo, sus obras aparentemente simples surgen de una compleja reflexión sobre la realidad y el mundo de los sueños

90. AMBROGIO LORENZETTI (c.1295-1348) – Sus imágenes de ciudades son las primeras perspectivas urbanas de la historia de la pintura occidental

91. CORREGGIO (1494-1534) – Pocos artistas de su época emplearon el color de manera tan sensual como Correggio, pese a que su nombre no es tan conocido como el de otras figuras del siglo XVI italiano

92. EL LISSITZKY (1890-1941) – Uno de los principales exponentes de la vanguardia rusa, influenciado por Malevich, que también destacó en el diseño gráfico

93. EGON SCHIELE (1890-1918) – Otro artista malogrado, sus desgarradores retratos influyeron en obras de artistas posteriores, como Freud o Bacon

94. DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) – Posiblemente la figura clave del movimiento prerrafaelista, Rossetti abandonó la poesía para dedicarse a una pintura de aire clásico que influiría en el simbolismo posterior

95. CLAUDIO DE LORENA (1600-1682) – Sus paisajes ejercieron una influencia vital sobre el paisajismo de siglos posteriores, tanto en Europa (Corot, Courbet) como América (Escuela del Río Hudson)

96. ROY LICHTENSTEIN (1923-1977) – Junto con Andy Warhol el exponente más conocido del Pop-Art, a menudo identificado con el mundo del comic, idea que el rechazaba “por ligera que pueda parecer la diferencia”

97. THOMAS GAINSBOROUGH (1727-1788) – La pintura inglesa inmediatamente posterior (Turner, Constable…) está influenciada por este artista, conocido principalmente por sus paisajes, pero que también fue un gran retratista

98. GUSTAVE MOREAU (1826-1898) – Una de las figuras claves del simbolismo, introvertido y misterioso en vida, pero de gran libertad y colorido en sus obras

99. GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) – Considerado el padre de la pintura metafísica y una importante influencia para el movimiento surrealista

100. FERNAND LÉGER (1881-1955) – Partiendo del cubismo, Léger se ve cada vez más atraído por el mundo de la máquina y el trabajo, que plasma en obras como “Los discos” (1918)

101. JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867) – Ingres fue el más destacado discípulo del neoclasicismo de David, por lo que no puede considerarse un pintor renovador. Sí fue, por el contrario, un maestro del retrato clásico

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